Daniel Salorio – Verborgene Kreaturen des Waldes

Manchmal beginnt alles mit einem Spaziergang. Nicht mit einer Idee, nicht mit einer Skizze, sondern mit etwas so Einfachem wie dem Blick auf den Boden. Ein Blatt aufheben, einen Samen, eine Form ohne klaren Zweck. Im Fall von Daniel Salorio ist genau diese intuitive Geste der Ursprung eines Werks, das seit fast zwei Jahrzehnten pflanzliches Material in das verwandelt, was er selbst als „botanische Skulpturen“ bezeichnet.

Wir treffen uns in Santa Gertrudis, unweit des charmanten Estudio Laterna, wo er soeben seine jüngste Ausstellung auf der Insel abgebaut hat. Die Werke sind verschwunden, doch das Gefühl bleibt, lebenden Formen begegnet zu sein, die in der Luft zu schweben scheinen, irgendwo zwischen organischer Wirklichkeit und Traum.

Salorio hat nie Kunst studiert. Er wollte es auch nicht. „Ich war eine absolute Niete im Zeichnen“, sagt er. Sein Weg begann in der Musik, als Perkussionist, mit Ausbildungen in Kuba und Brasilien sowie Projekten wie der Gruppe Livika oder dem aktuellen TranceUntes, in denen er organische Rhythmen mit einer Performance verbindet, die sich zwischen Live- und elektronischer Musik bewegt. Doch seine künstlerische Sprache entstand auf Ibiza, vor vielen Jahren, während eines Sommers in einem abgelegenen Haus mitten auf dem Land. „Es gab viel Zeit und diesen ganz besonderen Garten“, erinnert er sich. Er begann, mit pflanzlichen Überresten zu spielen, baute winzige Insekten. Und plötzlich ergab alles Sinn.

Sein Prozess hat sich seither kaum verändert. Alles beginnt außerhalb des Ateliers. Auf dem Land, in einem Garten, auf Reisen. Salorio sammelt Objekte, die ihn durch ihre Form, ihre Textur oder eine schwer erklärbare Intuition ansprechen, und nimmt sie mit, ohne zu wissen, was daraus entstehen wird. In seinem Atelier, sorgfältig in transparenten Boxen geordnet, warten diese Fundstücke auf den Moment ihrer Verbindung. Wenig Eingriff. Ohne Zwang. Die Form darf entstehen. „Ich berühre den organischen Teil fast gar nicht“, erklärt er. Seine Arbeit besteht eher im Verbinden als im Verwandeln, im Respekt vor jeder ursprünglichen Struktur, sodass im Zusammenspiel etwas Neues entsteht. Genau dort erscheint, was er „Metaform“ nennt, eine Gestalt, die das Auge erkennt, aber nie vollständig. Ein Vogel, ein Insekt, ein Fisch. Oder etwas vollkommen anderes. Diese Ambivalenz ist Teil seiner Sprache. „Unser Gehirn vervollständigt die Realität ganz von selbst“, lacher. In diesem Spiel zwischen dem, was wir sehen, und dem, was wir zu sehen glauben, liegt die Kraft seiner Arbeiten. Sein Universum nährt sich aus dieser ständigen, mitunter beinahe obsessiven Beobachtung. Besonders faszinieren ihn etwa die Strukturen bestimmter Samen. Die Kokospalme, erklärt er, besitzt einen enormen Samen, der nur selten unversehrt den Boden erreicht. Tut er es doch, verwandelt Salorio ihn in großformatige Arbeiten von bis zu zwei Metern Länge, konstruiert aus einem einzigen pflanzlichen Element.

Doch in seiner Kunst schwingt auch ein Erbe mit. Sein Großvater und sein Urgroßvater waren Maler, letzterer mit Werken im Prado-Museum. Sein Großvater zeigte ihm, dass Kunst überall existiert: auf einer Papiertischdecke im Restaurant, auf den Steinen am Strand oder in den Farben eines Spaziergangs. „Ihm verdanke ich eine bestimmte Art zu sehen“.

Auch wenn er sich nicht als ökologischer Künstler versteht, weckt seine Arbeit unweigerlich eine Sensibilität für die Natur. Es ist ihm mehr als einmal passiert: Jemand besucht seine Ausstellung und erzählt ihm Tage später, dass er die Blätter im eigenen Garten plötzlich mit anderen Augen betrachtet.

Heute wird seine Arbeit regelmäßig in Madrider Galerien wie Materna und Herencia, in der Nähe des Königlichen Botanischen Gartens, oder bei The Romanach gezeigt. Auch außerhalb Spaniens hat sie ihren Platz gefunden, etwa in Räumen wie Atelier Manos, wo er eine Installation aus Dutzenden schwebender Vögel präsentierte, die scheinbar durch den Ausstellungsraum flogen. Zudem ist sein Werk im Museo del Objeto Encontrado der Fundación Antonio Pérez in Cuenca zu sehen. Sein Netzwerk hat sich organisch entwickelt. Instagram spielt dabei ebenfalls eine zentrale Rolle: Seine stark visuelle Arbeit entfaltet in diesem Format eine besondere Wirkung. Gleichzeitig arbeitet er weiterhin in seinem Atelier, von wo aus er auch direkt verkauft. Denn, wie er selbst sagt, gehört heute alles zum Künstlerdasein: schaffen, fotografieren, organisieren, versenden.

Seine kreative Welt ist unerschöpflich. Aus einer einzigen Pflanze können unzählige Arbeiten entstehen. Ein Blatt, das an einem anderen Ort fällt, verändert seine Form, seine Textur, seine Geschichte. Hinzu kommt seine Leidenschaft fürs Reisen, nach Guatemala oder bald nach Costa Rica, wo er neue Formen und Strukturen entdeckt.

In einer Zeit, die von digitaler Technologie und künstlicher Intelligenz geprägt ist, verbindet seine Arbeit mit etwas anderem. Langsamer, physischer, wirklicher. „Früher galt das als ein bisschen hippiemäßig, heute bin ich authentisch“, bemerkt er mit einem Hauch Ironie. Vielleicht erlebt er gerade deshalb eine besonders erfolgreiche Phase, ohne die Unsicherheit aus dem Blick zu verlieren, die dieses Handwerk stets begleitet. „Es gibt Zeiten, da verkauft man viel, und andere, da verkauft man gar nichts“, sagt er. Entscheidend sei, das Gleichgewicht nicht zu verlieren: verkaufen, ja, aber ohne den Prozess zu verraten.

Denn am Ende führt alles zurück zu jenem ersten Impuls. Hinausgehen. Schauen. Sammeln. Und der Natur, mit all ihrer Intelligenz und Anpassungsfähigkeit, erlauben, ihr Werk zu entfalten.